A proposta desse trabalho é mostrar a produção em termos de design das vinhetas para televisão e as técnicas para a produção das mesmas desde o início da televisão no Brasil no ano de 1950, até os primeiros anos da TV Educativa (TVE), período no qual a computação gráfica televisiva dava os primeiros passos no país. Além de fazer um panorama histórico dos elementos gráficos que eram veiculados nesse meio de comunicação e a apresentação de conceitos utilizados na área, o trabalho mostra como funcionava a prática do design gráfico em movimento através dos trabalhos do designer gráfico Rui de Oliveira, que trabalhou na TV Educativa entre os anos de 1977 e 1983.

Nossa proposta na presente Tese é investigar o acervo de Orlando da Costa Ferreira e entender as possíveis implicações da sua pesquisa no estudo da história do design brasileiro. Esta investigação se deu a partir do processo de resgate, de digitalização, de organização e de investigação dos corpora reunidos pelo bibliólogo. Verificamos que a variedade e a transdisciplinaridade do material evidenciam que Orlando da Costa Ferreira foi um precursor do estudo da Memória gráfica brasileira. Pois, além de analisar o material pela ótica usual do estudo do livro, buscando o conteúdo e as práticas de leitura, o estudioso procurava uma bibliografia descritiva da dimensão material, tecnológica e trabalhista do artefato gráfico. Em paralelo, ao analisar esses corpora, foi ainda possível visualizar um vasto e abrangente panorama histórico que contempla significativas transformações na relação entre o design e a tecnologia na indústria gráfica brasileira, ao longo do século XX. A partir desse panorama, buscamos apontar algumas mudanças que reposicionaram o campo de design na cadeia produtiva da indústria gráfica e as relações entre o design gráfico e os meios de produção da indústria gráfica brasileira dentro de um determinado período. Buscamos ainda aprofundar o estudo das interligações entre o design e a tecnologia, para assim verificar onde, possivelmente, a tecnologia condiciona o projeto e, por outro lado, onde as atividades projetivas podem quebrar paradigmas tecnológicos. Nesse sentido, entendemos que Orlando da Costa Ferreira, ao analisar produtos e processos gráficos dentro dessa perspectiva e com um enfoque em questões materiais que só mais recentemente interessaram aos pesquisadores da área da história do livro, já contribuía para o fortalecimento do campo do design no Brasil, enquanto área de conhecimento próprio, ainda no terceiro quartel do século XX.

Em 2009 a Indústria de Produtos Alimentícios Piraquê passou a implementar uma atualização de sua identidade visual, alterando as embalagens de biscoito que haviam sido desenvolvidas por Lygia Carvalho Pape (1927-2004). A iniciativa não foi bem recebida por uma parcela do público, composta por clientes da empresa e membros da classe especializada, uma vez que as alterações não refletiam a proposta da original da artista. Acreditava-se então que a mudança representaria o fim da propagação da expressão por meio dos invólucros. No entanto, esta perspectiva não se confirmou, pois alguns anos mais tarde, inspirada na utilização dos padrões das embalagens por alguns artistas em seus figurinos, a M. Dias Branco, nova proprietária da entidade, desenvolveu uma coleção que transformou os layouts em roupas e acessórios para a divulgação da marca nas "redes sociais". Assim, ao invés de cair no esquecimento, a criação ressurge de tempos em tempos, via iniciativas individuais ou institucionais, evidenciando ter adquirido certo estado de longevidade. A pesquisa tem por objetivo compreender se essa ocorrência está de alguma forma relacionada à uma condição distinta da produção, estabelecida a partir dos entrecruzamentos entre Arte e Design, abordando o trabalho da artista na companhia à luz de elementos do contexto, de aspectos conceituais específicos atrelados à temática, e da análise gráfica de uma coletânea de itens representativos da obra, na expectativa do que se pode extrair da experiência em benefício do campo do desenvolvimento de identidades visuais no âmbito das teorias do Design. O estudo visa, ademais, ampliar a visibilidade de Lygia Pape enquanto Designer Gráfica, fornecendo uma breve amostra das suas criações no setor, e proporcionando, tanto à História do Design quanto à Memória Gráfica Brasileira enquanto campos de pesquisa, informações que possam servir como valiosas referências na formação do repertório criativo de futuras gerações de designers.

Durante o período de 1994/2002, o jornal Correio Braziliense implementou uma renovação em sua linguagem gráfica fruto de uma reformulação completa em seu projeto editorial que o levou a conquistar vários prêmios voltados para a área de design e de jornalismo. Foi um dos jornais mais premiados do mundo pela Society for News Design (SND) entidade da área de design de notícias de grande prestígio no mundo. Sob o comando do jornalista Ricardo Noblat, a reformulação do jornal passou por três fases: fevereiro de 1994, com o início do redirecionamento no rumo editorial; abril de 1996, com a implantação do novo projeto gráfico, realizada pelo designer Francisco Amaral; julho de 2000, com a revitalização do projeto gráfico, também pelo designer Francisco Amaral, o que ocorreu paralelamente à consolidação do projeto editorial. O foco desta pesquisa são as capas do primeiro caderno produzidas entre 1996 e 2002, período em que o design - completamente integrado à notícia - rendeu bons frutos em termos de aprimoramento gráfico. A importância do periódico de Brasília foi resultado de um trabalho construído ao longo de anos, com muitos desafios vencidos por uma equipe afinada e determinada a reinventar a forma de se fazer jornal diário no Brasil, cujo objetivo era ser um veículo independente, crítico e combativo. A flexibilidade formal e a inventividade do projeto gráfico resultam dessa estratégia editorial.

Estudo da visualização da informação em telejornalismo, através da pesquisa da base teórica da visualização da informação, e da análise dos infográficos veiculados em vídeo no telejornalismo brasileiro, que fazem parte dos motion graphics. A pesquisa aborda diferentes visões da visualização da informação, o processo de produção dos infográficos, e uma categorização dos infográficos em telejornalismo brasileiro, que se constituem como um passo para a exploração mais profunda deste campo de atuação do designer. Além disso, as entrevistas realizadas com designers da TV Globo são um ponto forte no posicionamento do designer neste campo de trabalho e sua atuação. Acompanha um anexo digital com exemplos das partes contituintes de um telejornal e a classificação proposta.

Com a dinâmica da atualidade, cada vez mais o texto jornalístico tradicional se mostra insuficiente para atender à crescente necessidade de síntese de informação. Tal fato tem ocasionado o aprimoramento e a difusão dos infográficos jornalísticos, peças de design de informação que vêm cada vez mais se tornando ferramentas editoriais importantes. No presente trabalho, buscamos uma definição para o termo infografia jornalística e propomos alguns pontos a serem considerados em sua análise. A pesquisa foi voltada aos infográficos jornalísticos em revistas contemporâneas.

A revista Senhor foi publicada de 1959 a 1964, e até hoje é lembrada por seu layout e conteúdo, então inovadores no país. Nesta dissertação analisamos o uso de cores nos dezesseis primeiros números desta revista. Iniciamos como uma breve contextualização político-históricosocial, seguida de um panorama das revistas no Brasil na época em que Senhor era publicada. Seguimos com a história da revista Senhor, uma análise do perfil do seu consumidor e uma descrição das ferramentas utilizadas na análise de cor e da metodologia desenvolvida para esta análise. Por fim, apresentamos a análise de cor e outras estratégias gráficas, que colaboram na coesão e ritmo visual da Revista.

Este trabalho investiga como a produção de subjetividade e o consumo estético no Instagram são moldados pelas dinâmicas do neoliberalismo contemporâneo, destacando o papel central da parceria entre design e branding na padronização de discursos e estéticas. Fundamentado teoricamente na Arqueologia do Saber e na Genealogia do Poder de Michel Foucault, o estudo explora o discurso de autenticidade e como ele opera enquanto ferramenta de normatização visual, reforçando padrões hegemônicos alinhados à lógica neoliberal que detém valores como intangibilidade, exclusividade e estética no centro. A análise tem como objeto de pesquisa principal o perfil de Instagram @coolmmerce, revelando as estruturas discursivas que sustentam essa hegemonia e os elementos que asseguram sua disseminação como estratégia de mercado, levando à hiperestetização do cotidiano, marcada pela valorização de aspectos intangíveis e pela criação de experiências intensamente visualizadas e performáticas. Procura-se assim compreender as condições históricas e culturais que permitiram a emergência de tais dinâmicas, desde a virada gestorial neoliberal até o capitalismo transestético, ressaltando o papel do saber padronizado como discurso de autoridade. A conclusão reflete sobre as implicações dessas dinâmicas na criação e reprodução cega de subjetividades por parte dos designers, questionando os limites entre autenticidade e controle no ambiente digital e no cotidiano.

 Na passagem do século XX para o século XXI, vimos a internet se expandir mais rapidamente que outros sistemas de comunicação. O fácil acesso a ferramentas de edição de texto e imagem, por sua vez, popularizou processos de escrita visual. O modelo de difusão um-para-todos, característico dos grandes veículos de mídia, foi impactado pelo novo modelo todos-todos, característico da web colaborativa, com seus fóruns, blogs e mídias sociais. As pessoas, no papel de consumidoras, produtoras e propagadoras de conteúdos digitais, encontraram nas interfaces fluidas e dinâmicas das mídias sociais espaço propício para a proliferação de peças de mídia. Dentre estas peças, imagens conhecidas como memes de internet espalharam-se pelos diálogos em rede. Compartilhados de pessoa em pessoa, memes tornaram-se uma linguagem em si, através da qual é possível expressar-se diante das mais diversas questões cotidianas, sociais e políticas. Nesta pesquisa, investigo a produção e o consumo de memes de internet compartilhados em mídias sociais a partir de temas de grande repercussão nacional. Busco processos e temporalidades associados a estas soluções flexíveis e alteráveis que, fruto do design vernacular, ou mesmo profissional, espalham-se rapidamente por interfaces digitais. Em seus fluxos, que se dão em torno da construção coletiva de identidades meméticas, são formados conjuntos de peças de mídia em constante mutação. Enquanto registro vivo de fluxos de produção e compartilhamento de ideias, memes de internet constituem uma base consistente, vasta e acessível, para análise de uma nova linguagem narrativa que emerge da cultura digital.

A presente dissertação conceitua e analisa o campo do design gráfico socialmente engajado. A partir do levantamento de dados sobre o design gráfico dedicado a ações de melhoria social, constatamos que o cartaz é o principal suporte visual utilizado. Sendo assim, iniciamos este estudo com um panorama da história do cartaz, de modo a comprovar o papel deste suporte gráfico como um reflexo de seu período histórico e da evolução da comunicação visual. Em seguida, apresentamos o design gráfico socialmente engajado através da fundamentação teórica, a partir de textos de pensadores do design, e de um apanhado histórico com exemplos da utilização design gráfico em iniciativas de melhoria social. Ao final, apresentamos um estudo de caso com a análise gráfica de cartazes da campanha contra a guerra do Iraque, de modo a conceituar algumas estratégias visuais utilizadas na linguagem gráfica de protesto.

Esta tese apresenta um estudo sobre a produção resultante da interação entre design gráfico e imagem em movimento no Brasil. Os objetivos desta pesquisa são: ampliar as fronteiras do campo e as possibilidades de atuação profissional para designers; integrar os artefatos gráficos audiovisuais ao campo do design gráfico, não só na prática, mas também na teoria; e reconhecer o território híbrido que surge dessas relações como um campo de conhecimento compartilhado entre design e audiovisual. Para tanto, foi feita uma revisão bibliográfica, pesquisas em portais de publicações científicas e instituições acadêmicas, e em plataformas digitais de vídeo. Este procedimento possibilitou uma reflexão sobre os conceitos de cultura material, cultura visual e memória gráfica, que podem contribuir com estratégias historiográficas para a inserção dos objetos deste estudo na história do design gráfico brasileiro. Inicialmente, propõe-se olhar de forma isolada para o design gráfico e para o audiovisual como dois campos relativamente autônomos, analisando-se os seguintes itens: artefatos e conceitos; historiografias e histórias; âmbitos educacional e profissional. Em seguida, estes parâmetros de análise são aplicados a estes mesmos itens, porém sob outra perspectiva: examina-se o campo híbrido que surge dos atravessamentos entre design e audiovisual. Por fim, é feita a montagem de uma coleção de artefatos gráficos audiovisuais, que tem como critérios de seleção: a existência de um arquivo on-line acessível gratuita e publicamente; o reconhecimento social e histórico; e a importância para a construção da memória gráfica brasileira. Com isso, a tese visa fornecer um conteúdo relevante para educadores do design em suas atividades de ensino, bem como a todos os interessados no aprendizado deste assunto, constituindo um repertório, um subsídio cultural de amplo acesso.

Este trabalho propõe uma investigação sobre os diferentes discursos sobre qualidade de projeto das capas de livros brasileiros, a partir de um recorte de capas premiadas pelo Prêmio Jabuti entre 2000 e 2018, e através de depoimentos obtidos por entrevistas qualitativas com os agentes envolvidos no processo de execução, venda e avaliação das capas: designers gráficos, editores, livreiros, jurados e curadores do prêmio. Procura oferecer uma visão heterogênea e multifacetada sobre a importância da capa do livro brasileiro, seu desenvolvimento histórico e seu papel na realidade atual do país. Na pesquisa, investiga-se o que chancela a ideia de qualidade de uma capa de livro, através da percepção dos profissionais que produzem, articulam e promovem o fluxo deste mercado de atuação. Evidencia-se a importância e o papel da capa que, em primeira instância, informa e sintetiza o livro e a natureza do texto contido nele.

O desenvolvimento de novos produtos e serviços é uma atividade chave para qualquer empresa se manter competitiva, visto que leva à construção de soluções inovadoras e relevantes ao consumidor final. Para tal, é imprescindível que as companhias tenham processos bem estruturados, nos quais novas ideias surjam e evoluam até que se tornem produtos e serviços realmente aderentes ao mercado. Contudo, apesar dos métodos de geração de ideias terem se desenvolvido nos últimos anos - tanto em sua relevância acadêmica quanto em sua prática mercadológica -ainda há uma lacuna de processos e ferramentas referentes ao momento de refino e avaliação de ideias. Como resultado, projetos de novos produtos e serviços muitas vezes se encerram prematuramente ou enfrentam severos percalços, muitas vezes levando-os até soluções pouco inovadoras. Ciente do cenário abordado, a presente dissertação se debruçou sobre a pesquisa do tema, combinando visões acadêmicas e de mercado. Realizou-se uma revisão sistemática da literatura onde foi possível, com seus insumos, propor um framework e uma ferramenta de avaliação que oriente o refinamento de ideias. Em seguida, foram realizadas duas verificações - através de entrevistas com profissionais do mercado e análise de estudos de caso - com o propósito de averiguar a aderência e a relevância do material gerado. Os insumos obtidos, além de reforçarem a importância do tema da avaliação de ideias e a carência de soluções existentes para tal, permitiram o refino do framework e a ferramenta, apresentados como resultados desta dissertação.

Esta pesquisa explora a influência da prática poética de André Vallias na sua atividade como designer pela produtora Refazenda, focalizando nas interações entre essas duas áreas. O objetivo geral é evidenciar as interseções entre poesia e design em suas produções e como o pensamento decorrente desta prática, especialmente a partir do seu conceito de diagrama, se manifesta em sua atuação. Adotando a semiótica de Peirce como referencial teórico, este estudo de caso investiga como elementos verbais, visuais e interativos se integram nas suas criações, buscando compreender reverberações recíprocas entre a poesia experimental e o design contemporâneo. A metodologia adotada é qualitativa e combina a análise semiótica das produções da Refazenda com a entrevista concedida pelo poeta e designer. Da amostra constituída pelas publicações disponíveis no site da produtora, seis das mais representativas para os interesses da pesquisa foram selecionadas para a análise baseada nas dimensões sintática, semântica e pragmática. A entrevista com o designer forneceu uma visão aprofundada sobre suas influências e práticas, ajudando a contextualizar os dados obtidos nas análises por meio da triangulação. Os resultados revelam que a prática poética de Vallias é um fator determinante em suas produções de design, evidenciando a perspectiva integradora de uma linguagem híbrida. A análise demonstra como a iconicidade, uma propriedade eminentemente associada ao signo icônico e à categoria de primeiridade de Peirce, molda a estética, as potencialidades de significação e a pragmática das produções, revelando a interseção entre poesia e design. As conclusões da tese ressaltam a relevância da prática poética no design gráfico de Vallias, identificando a adoção de perspectivas criativas na combinação de diferentes mídias. O trabalho contribui para a compreensão teórica sobre os cruzamentos entre poesia e design e não apenas amplia o conhecimento sobre a influência recíproca dessas áreas, como também destaca a importância da abordagem interdisciplinar na análise de suas práticas.

A presente dissertação trata de um estudo sobre produção de livros sob demanda em dois momentos distintos da indústria gráfica. Apresentamos uma abordagem histórica do percurso do livro, segundo seus atributos materiais e tecnológicos, que marcaram a transformação de seu caráter fabril de micro e pequena escalas à produção em massa. Ao analisar referências manufatureiras de tiragem limitada do livro no âmbito da impressão tipográfica e digital, observamos o papel que o design é capaz de exercer, representando uma conexão entre esses dois registros técnicos intrinsecamente diferentes. Através da utilização de um modelo descritivo de obras sob o ponto de vista do design gráfico, buscamos pontos de convergência e divergência passíveis de auxiliar na compreensão do atual contexto de transição por que passa o mercado editorial.

A motivação para a realização desse trabalho partiu da identificação, pelo autor, da oportunidade de se avançar em pesquisas sobre a produção gráfica na Amazônia como contri- buição para a história do design e da cultura material brasileira. Pretendeu-se, especificamente, descrever o processo de instalação e desenvolvimento da atividade de produção gráfica no Amazonas de 1851 a 1910. A base metodológica adotada inspira-se nos estudos que vêm sendo produzidos pelo grupo Memória Gráfica, a partir dos quais foram aprimorados procedimentos e técnicas de coleta, análise e fichamento dos artefatos estudados. A maior parte dos produtos impressos analisados são jornais, além de edições e folhetos governamentais, revistas, almana- ques, anúncios e efêmeros. A despeito da heterogeneidade dos artefatos encontrados e do amplo recorte temporal, procurou-se unificar o modelo de registro para preservar os diferentes dados sobre a sua produção gráfica e o circuito profissional ao qual pertencem. O que permitiu à in- vestigação, junto a diversas referências e trabalhos, articular o estudo em três arcos que buscam caracterizar melhor as etapas de desenvolvimento da atividade gráfica amazonense, a saber: (I) nascente impressa – fase inicial com os primeiros marcos desde a instalação da pioneira oficina tipográfica (1851) e o surgimento dos primeiros agentes do circuito de comunicação impressa até a fixação de atividade e início da diversificação do produto impresso tendo como marco o registro de uma das primeiras edições literárias do Amazonas (1869); (II) o estabelecimento tipográfico em dois tempos – etapa observada a partir de um número maior de fontes dispo- níveis, quase sempre jornais, e neles os anúncios, notas e informações gráficas a partir de 1870 até 1889, que propiciaram uma narrativa mais detalhada sobre os profissionais gráficos, e a expansão e modernização do circuito, apesar da permanência de antigas limitações; (III) im- pressões da belle époque – período de intensas trocas comerciais e de grande progresso material em Manaus com reflexos direto na ampliação, modernização e especialização da atividade gráfica a partir do uso de novos processos de impressão, composição e reprodução da imagem, que exigiram maior planejamento dos produtos impressos publicados com grande perícia e melhor acabamento de 1890 a 1910. A tese propiciou ainda a organização e visualização de cenários e informações produzidas a partir dos registros nas fichas e de apontamentos tomados de outras fontes, como o extenso uso da plataforma da Hemeroteca Digital da Biblioteca Na- cional. Ao se estudar a memória gráfica e o desenho do circuito de comunicação impressa no Amazonas observou-se a ampliação e diversas mudanças na paisagem tipográfica e na cultura impressa local no intervalo de apenas 60 anos. Um movimento que o trabalho captou em diver- sas impressões que também fazem a crônica do desenvolvimento econômico, social e cultural da região amazônica.

As revistas Klaxon, base e Noigandres são exemplos de revistas de vanguarda em que o design gráfico foi usado como instrumento para a expressão de idéias, compartilhadas pelos grupos artísticos envolvidos em sua publicação. São marcos do design moderno, encaixando-se no conceito de produto erudito (Bourdieu), destinado não ao grande público, mas a grupos de pares, que compartilhavam os valores estéticos e as ambições à condição de vanguarda em seus respectivos domínios artísticos. Estas revistas são expoentes do campo do design gráfico moderno, que só viria a se institucionalizar na década de 60, com a criação da ESDI e o surgimento do movimento concretista nas artes plásticas.

Nosso objetivo neste trabalho é investigar como o design gráfico se relaciona com os meios de produção da indústria gráfica brasileira. Não é comum encontrar referências abordando temas que relacionam design e tecnologia em livros sobre a história do Brasil, o que demonstra a urgência do resgate histórico de indústrias que implementaram novas tecnologias para atender a demandas projetuais e mercadológicas. Sediada na cidade do Rio de Janeiro, a clicheria Latt-Mayer como era comumente chamada, era sinônimo de qualidade e tecnologia. Entre seus clientes podemos apontar agências de publicidade, editoras, escritórios de designers e gráficas de todo país. Esta pesquisa se baseia em um corpus composto por imagens, documentos, manuais técnicos, reportagens, matrizes e depoimentos com pessoas que estiveram diretamente envolvidas com essa empresa. Catalogamos maquinaria e técnicas utilizadas, além de projetos gráficos relevantes que tiveram matrizes e provas produzidas na empresa. Por meio deste trabalho, é possível visualizar um abrangente painel histórico, que contempla um período em que ocorreram significativas transformações na relação entre designers e tecnologia na indústria gráfica brasileira.

O objetivo desta dissertação é mostrar como se deu o envolvimento de Monteiro Lobato com o design gráfico enquanto editor e gestor de suas editoras: a Edições da Revista do Brasil, a Monteiro Lobato e Cia. e a Cia. Graphico-Editora Monteiro Lobato, no período de 1918 a 1925. A análise gráfica das publicações editadas por Lobato, neste intervalo, serviu como fio condutor da pesquisa. Por fim, foi feita uma descrição gráfica dos exemplares coletados, que foram produzidos no mesmo período.

Estudo da produção de motion graphics como um fenômeno original de linguagem e tecnologia, visando o levantamento de subsídios para uma metodologia de análise adequada à produção da área. A pesquisa aborda aspectos projetuais e propõe três grandes dimensões estruturais para o entendimento do motion graphics: a dimensão da matemática e da computação gráfica; a dimensão plástica; e a dimensão da linguagem. No final do trabalho a análise de um spot comercial de televisão exemplifica e testa a aplicabilidade das diretrizes metodológicas desenvolvidas. Acompanha a dissertação um anexo digital ilustrando as questões estudadas.

Este trabalho é uma investigação da história do papel-moeda brasileiro, do cruzeiro de 1970 ao real de 2010, do ponto de vista do Design Gráfico, considerando as dimensões histórica, tecnológica e política do objeto dinheiro impresso. Foram levantados dados de diferentes fontes, como bibliografia especializada, documentos da Casa da Moeda do Brasil e do Banco Central, bem como entrevistas com profissionais envolvidos nos projetos de papel-moeda brasileiro no período de 1970 a 2010. O estudo aponta para uma crescente nacionalização do processo de projeto gráfico do papel-moeda brasileiro a partir dos anos 1960, com a aprovação da proposta da cédula de cinco cruzeiros pela Casa da Moeda, dando início à nacionalização definitiva dos trabalhos de projeto e de produção de cédulas pelo Brasil, atingida com o lançamento da família de cédulas projetada por Aloísio Magalhães, e com a modernização da Casa da Moeda no final dos anos 1970.

Através de uma análise histórica, a pesquisa se propõe a investigar o papel da visualidade nas transformações da experiência de consumo de música impostas pela evolução tecnológica. Se o surgimento do fonógrafo confere potencialidades inéditas à escuta, a ausência da performance determina a perda da visualidade como complemento à audição musical. O processo evolutivo da embalagem do fonograma fez surgir um conceito de projeto que se transfigurou como alternativa à privação dessa visualidade, graças à criação de um layout específico para aquele conteúdo musical. Com o advento do fonograma imaterial e sua transmissão em streaming, nota-se mais uma importante mudança nos processos de consumo de música, alterando as funções da visualidade e, por extensão, do designer na geração de soluções criativas para a mediação da escuta fonográfica.

No Brasil, Juntas Comerciais, leis e demais instituições que têm por finalidade proteger marcas por meio de registro começaram a ser criadas em 1876. A Junta Comercial de Pernambuco remonta a essa data. O acervo relativo aos seus primeiros 50 anos se encontra digitalizado e é objeto desta pesquisa. Nesse acervo, é possível constatar que algumas representações são recorrentes e, entre elas, a de maior incidência é a do leão, em especial o “Leão do Norte”. O leão se tornou representante de Pernambuco e muitas vezes representa também pessoas ou grupo de pessoas que por lá nasceram. Nesta dissertação, sob a luz da semiótica de Charles Sander Peirce, são traçados os caminhos dos vetores socioeconômicos e culturais que conferem significação ao signo do leão tornando o Leão do Norte um símbolo de Pernambuco e dos pernambucanos e como ele passa a operar em marcas comerciais. A descrição desses vetores teve por objetivo buscar respostas para alguns dos muitos questionamentos suscitados, entre eles: Que Leão é esse? De onde vem esse codinome “Leão do Norte”? Como ele passa a fazer parte do mundo comercial e industrial do Estado no registro oficial de diversas marcas no período em foco? Por fim, foram analisados individualmente doze registros, num recorte temporal entre 1904 e 1920, que apresentam o leão. Nesses registros, observam-se as transformações na apresentação visual e na identidade por que passa o leão, para melhor se adequar à atividade de leão vendedor.