Anna Clara, recém-graduada pela ESDI/UERJ-Petrópolis, recebeu prêmios e reconhecimentos referentes ao seu Trabalho Final de Graduação

Tese (hoje TCC) da diplomação na Escola Superior de Desenho Industrial (1976). O trabalho investiga a criação e aplicação de jogos pedagógicos adaptados para indivíduos com deficiências mentais, destacando a viabilidade da produção artesanal e a importância dessas adaptações para melhorar a aprendizagem e inclusão social. Posteriormente o TCC propõe o desenvolvimento de jogos pedagógicos para crianças com deficiência mental, focando na percepão visual e coordenação manual, e é adaptado para crianças de 7 a 9 anos, com aplicação também em casos de reabilitação tardia."

NOTA: Este resumo foi redigido para fins de disponibilização digital do acervo da ESDI e não consta no documento original. Este item do acervo foi disponibilizado através do projeto Arquivo ESDI: História do Design via redes digitais de conhecimento aberto.

Esta monografia desenvolve projetos de produtos relacionados direta ou indiretamente ao setor de mobiliário infantil, a preocupação com o usuário tornou-se primordialmente necessário nesta pesquisa. Neste sentido, este trabalho objetivou estruturar uma linha de produtos para uso no dormitório infantil de dimensão modesta, considerando a valorização e aproveitamento do espaço no âmbito. O desenvolvimento do projeto iniciou-se em março de 2015. Foram realizadas entrevistas com vendedores e compradores de móveis infantis a fim de obter informações e respostas a questões específicas, a fim de que os dados fossem usados à medida que o desenvolvimento seguia de acordo as orientações de melhorias funcionais. Os aspectos de segurança foram priorizados durante todo o processo. Tratando-se de um conjunto de móveis para usuários infanto-juvenis (de 6 a 12 anos), com finalidade de suprir as necessidades dos mesmos, sem comprometer o espaço destinado a atividades do cotidiano.

Tese (hoje TCC) para obtenção de diplomação em Desenho Industrial (1967) que versa sobre a construção de uma cafeteria elétrica destinada a bares. 

NOTA: Este resumo foi redigido para fins de disponibilização digital do acervo da ESDI e não consta no documento original. Este item do acervo foi disponibilizado através do projeto Arquivo ESDI: História do Design via redes digitais de conhecimento aberto.

O SENAC e o IAB BA divulgam o Concurso Público Nacional de Estudo Preliminar e Anteprojeto de Arquitetura

Professoras Malu Freitas do MDU e Glauci Nascimento da UERJ na Sessão de Comunicações do 8° Seminário Internacional Museografia e Arquitetura de Museus

J. Borges – xilógrafo e cordelista pernambucano – criou, ao longo de 5 décadas de carreira, um vasto universo de imagens e narrativas. Suas obras se espalham pelo Brasil e pelo mundo e reafirmam a importância dos cordéis e xilogravuras para a cultura popular brasileira. Estas duas formas de expressão são consideradas os principais registros das crenças e valores sertanejos brasileiros dos últimos séculos (FERREIRA e outros, 2006). Portanto, J. Borges é um grande aliado para refletir sobre o nosso país e nossos costumes. Depois de trabalhar como vendedor de cordel, J. Borges começou a escrever e ilustrar os próprios folhetos na década de 1960. E, a partir da década seguinte, observou-se que as xilogravuras, antes restritas às capas de cordel, passaram a ser produzidas em dimensões maiores. Dessa maneira, as imagens ganharam cores e riqueza de detalhes. Sem abandonar os temas sobre a vida rural do sertão e o imaginário popular brasileiro, J. Borges foi um dos artistas que participou desta transição. Hoje, ele é uma das maiores referências na xilogravura popular brasileira, propagando seu estilo e compartilhando o seu processo de produção com as novas gerações. Dessa forma, abordar a técnica e conhecimentos do artista é uma maneira de contribuir para a pluralização da história do design brasileiro. Durante uma semana, em outubro de 2021, acompanhei a produção das xilogravuras de J. Borges in loco, no Memorial J. Borges, localizado na cidade de Bezerros, Pernambuco. A pesquisa de campo revelou a manutenção do processo artesanal na produção das gravuras do artista. E constatou-se o uso de uma série de soluções inventivas, incluindo objetos adaptados, criados e ressignificados, além da marcante participação da equipe que, junto com o artista, produz xilogravuras e mantém o Memorial vivo. Portanto, essa dissertação traz uma narrativa sobre um mundo observado e vivenciado no Memorial J. Borges; um espaço que produz imagens, sons, cheiros e relações; e que afeta, ao mesmo tempo que é afetado pelo trabalho do artista. O Memorial é a atual oficina, loja, galeria e moradia do artista que, aos 86 anos de idade,continua produzindo xilogravuras que nos contam sobre o Brasil, e compartilhando suas memórias, casos e histórias. Finalmente, compreendemos que o processo de produção de J.Borges é uma forma possível de produção e reprodução de imagens, narrativas e significados. Este processo resulta em uma obra que insiste em falar do Brasil através de uma estética e linguagem que refletem um aspecto significativo da nossa realidade e caracterizam um segmento importante da nossa cultura. E por isso os aprendizados sobre o artista se mostraram relevantes para o design brasileiro, como referência histórica e estética e como inspiração para olharmos para dentro do país.

As lives ocorrerão a partir de 15 de julho de 2020 na plataforma AVA 2ª Temporada EIXO 3

A tese propõe uma nova maneira de ver o campo do design, de acordo com a qual o designing (ou projetar) é entendido como o desenrolar de uma situação dramática, constituída por diversas personagens reunidas em torno de um problema comum. A hipótese que norteia essa construção teórica é de que o design pode ser pensando não apenas como uma forma de produção, definida pela transformação material do mundo, mas também como uma forma de ação entre pessoas, de natureza efêmera. O objetivo da tese é, portanto, o de iluminar a dimensão acional do design, tendo em vista seu compromisso primordial com a criação de novas realidades. Ele atende a uma dificuldade persistente dos designers para compreender como e por que as situações criadas podem diferir das situações planejadas, considerando a imagem legada pela tradição das artes e ofícios do artista de gênio que trabalha em isolamento. Uma revisão dessa imagem tem início após a Segunda Guerra Mundial, quando grupos de arquitetos, designers e engenheiros unem-se em uma especulação comum sobre os métodos e as situações de projeto em geral. Emerge daí uma concepção do design como processo, a qual subjaz à posição atual dos profissionais de projeto frente ou dentro das organizações ou das instâncias de decisão e planejamento. Para construir esse argumento, parte-se na tese da teoria da ação de Hannah Arendt, descrita no seu livro The Human Condition (1958), e de uma problematização histórica de longo arco temporal das distinções conceituais que marcaram o surgimento do design moderno. A seguir, busca-se indícios que confirmem a hipótese em algumas das teorias que compõem, a partir dos anos 1960, o campo heterogêneo do design. Entre elas, destacam-se as de Herbert Simon, Bruce Archer, Horst Rittel e Richard Buchanan. Feito isso, extrai-se então o conceito de drama de um conjunto de teorias sobre teatro moderno, a fim de criar uma nova metáfora que explicite o projetar como uma atividade de um grupo de pessoas. Em suma, a metáfora do drama do projeto revela como uma conjunção de agentes em torno de um problema comum estabelece uma trama que determina o processo de design e, consequentemente, os seus produtos. Como modelo teórico, ela permite compreender como os agentes criam novas situações que fogem parcialmente ao seu controle e às suas expectativas. A metáfora indica ainda que a imprevisibilidade das ações vivenciada empiricamente pelos agentes é, na verdade, uma característica intrínseca ao processo de design, quando considerada a pluralidade de personagens que o constitui. Ao final da tese, discute-se, entre outras coisas, os limites teóricos dessa proposição e as suas consequências para a educação em design.

A exposição propõe a ocupação dos espaços abertos da universidade com potentes trabalhos que reivindicam e constroem variadas reflexões sobre o direito à cidade, atuando na transformação do presente, encetando um porvir.

Participação da professora Raquel Ronik. O mediador será o professor Wagner Rufino.

Inscrições abertas!

A pesquisa, de natureza autoetnográfica, investiga dinâmicas sociais, culturais e afetivas de São Gonçalo, município periférico da região metropolitana do Rio de Janeiro, a partir dos deslocamentos realizados pelos gonçalenses. O estudo incorpora narrativas da autora e evidencia o caráter político do pesquisador. O foco central é a análise do movimento pendular cultural, no qual moradores de São Gonçalo deslocam-se para o Rio de Janeiro em busca de lazer noturno, frequentando eventos de rua sob lonas coloridas, espaços efêmeros de festa e resistência. A partir disso, a pesquisa explora os afetos periféricos e propõe uma cartografia afetiva, construída por meio de oficinas participativas que mapeiam trajetos, pontos de encontro e espaços de lazer. Em andamento, a pesquisa pretende aprofundar a análise do uso das lonas como equipamentos urbanos e sua relação com a cultura periférica, além de explorar os circuitos culturais e as transformações urbanas promovidas por essas práticas. O estudo busca contribuir para a visibilidade e o reconhecimento das potências periféricas, propondo novas formas de pensar na/a cidade.

Esta pesquisa tem como objetivo aplicar princípios de design da informação nos protocolos de saúde pública. Mais especificamente, pretende estabelecer diretrizes para o emprego de tais princípios nos protocolos adotados pelo Sistema Único de Saúde (SUS). A pesquisa descreve como esses protocolos são apresentados atualmente. Eles são predominantemente informações textuais. Neste trabalho, é fortemente sugerido o uso de elementos visuais nesses protocolos, uma vez que isso aumenta a eficiência e a velocidade da compreensão dos procedimentos envolvidos. O uso de elementos visuais nos protocolos de saúde é ilustrado em pro-cedimentos nos quais três atores principais estão presentes: o profissional de saúde (na maioria das vezes médico ou enfermeiro), o gerente de saúde e as pessoas comuns atendidas. Também é apresentada uma revisão da teoria do design da informação e como ela fornece uma base para as diretrizes sugeridas.

Nosso objetivo neste trabalho é investigar como o design gráfico se relaciona com os meios de produção da indústria gráfica brasileira. Não é comum encontrar referências abordando temas que relacionam design e tecnologia em livros sobre a história do Brasil, o que demonstra a urgência do resgate histórico de indústrias que implementaram novas tecnologias para atender a demandas projetuais e mercadológicas. Sediada na cidade do Rio de Janeiro, a clicheria Latt-Mayer como era comumente chamada, era sinônimo de qualidade e tecnologia. Entre seus clientes podemos apontar agências de publicidade, editoras, escritórios de designers e gráficas de todo país. Esta pesquisa se baseia em um corpus composto por imagens, documentos, manuais técnicos, reportagens, matrizes e depoimentos com pessoas que estiveram diretamente envolvidas com essa empresa. Catalogamos maquinaria e técnicas utilizadas, além de projetos gráficos relevantes que tiveram matrizes e provas produzidas na empresa. Por meio deste trabalho, é possível visualizar um abrangente painel histórico, que contempla um período em que ocorreram significativas transformações na relação entre designers e tecnologia na indústria gráfica brasileira.

Partindo da obra e da experiência do cenógrafo brasileiro Helio Eichbauer, esta dissertação debate os possíveis conceitos e paradigmas do projeto em Cenografia através da história, relacionando a profissão do cenógrafo com a do designer devido às suas características de desenvolvimento de projetos. Trata de uma experiência didática desenvolvida nos anos 1970 no Rio de Janeiro, considerada como uma época de ensino holístico do Design, da Cenografia e das Artes. Finalmente, estuda o caso da cenografia realizada para o espetáculo O rei da vela, de Oswald de Andrade, direção de José Celso Martinez Corrêa, em 1967, mostrando a construção de significado a partir de sua composição espaço-visual.

 Frente à expansão dos ambientes digitais que seguem os princípios da web 2.0, percebe-se uma crescente abertura na participação dos usuários, vista a partir dos canais de interação social, produção e gestão compartilhada dos conteúdos digitais. A proposta dessa pesquisa é pensar como esse cenário de participação está moldando e fortalecendo uma estrutura social a web social capaz de atuar ativamente não só na produção dos conteúdos digitais, mas também na forma de apresentação desses conteúdos. Pautada nu-ma reflexão teórica e num levantamento empírico, essa pesquisa procura trazer luzes à re-lação que se estabelece entre as práticas de projeto e as práticas de uso na web, a partir da observação da emergência de uma nova estrutura de produção a criação colaborativa baseada na ação complementar entre designer e usuário para a definição da dimensão vi-sual dos ambientes digitais.

Praças Saens Peña é um livro composto por um conjunto de histórias em quadrinho curtas, mostrando diferentes experiências e usos que a praça do título teve ao longo das décadas de sua existência. Foi desenvolvido por Cadu França como projeto de conclusão de graduação na Escola Superior de Desenho Industrial, inicialmente sob orientação da professora Zoy Anastassakis e posteriormente da professora Barbara Szaniecki. Com seis protagonistas em cinco histórias que nunca se encontram temporalmente (apesar de existirem no mesmo espaço), o projeto busca refletir sobre a relação dos usuários com este espaço público e sobre a imagem dos moradores da Tijuca ao registrar suas existências, o bairro e a cidade.